Kategorie: 02_KonfBeitrag

In the context of active and participative TV audience, Bubble-TV was designed to organize online participation of the audience at the very heart of TV-show, by weaving it into the narration, on stage and on screens.

Designed as a voting system, Bubble-TV succeeded to engage the audience into a voting process with a live motion visualisation. The on-stage visualisation encodes Tweets as small bubbles which continuously fall from the top of the screen and fill up bins of a bar chart. The result is a distribution of tweets according to voting choices (hashtags), each bubble being textured with the avatar of the participants.

Bubble-TV highly impacted the audience’s experience and engagement, since half of all the people who tweeted actively used the provided hashtags.

Beyond the visualisation, the Bubble-TV experience can be described as a social protocol for transmedia interactions, engaging TV viewers by providing them with visual feedback, social awareness and the possibility to interact with each others.

Bubble-TV was conceived at IRI (Institute for research and innovation at Centre Pompidou) and Aviz (INRIA), by a team of researchers in visualisation, HCI and participative formats, working closely with the TV-show producers. The show „Le Grand Webze“, was a France Television’s pilote TV-show dedicated to web culture and emerging talents on the Web. In this context, the production team was open to experimental forms of participation and therefore fully adopted the concept of Bubble-TV.

This kind of collaboration is a convincing evidence that producers and researchers can benefit from one’s each other resources, researchers offering breaking-through innovations and producers offering large public for real life and in the wide experimentation.

Welche Herausforderungen liefert der plattformübergreifende Vertrieb im Bezug auf die verwertungsrechtlichen Aspekte? Welche Verwertungsmodelle bedürfen einer Erweiterung? Welchen Wert haben territorial exklusive Nutzungsvereinbarungen? Wie sichern sich ProduzentInnen Anteile an Werbeeinnahmen bei Onlineformaten? Auf Dauer? Was ist üblich? Ist der Begriff „Sendung“ in diesem Zusammenhang noch adäquat? Sind zusätzliche Inhalte eines Filmwerkes (Bilder, Texte, Interaktionsschema, usw …, aber auch Inhalte die durch Nutzeraktivität entstehen, wie Foren, Uploads, usw., zu schützen? Was ist bei interaktiven Formaten zu beachten? Wie können ProduzentInnen serielle online Formate schützen? Spielen Abspielgeräte, Speichermöglichkeiten von Bewegtbildinhalten eine Rolle? Ist OTT zusätzlich vergütet? Wie können sich ProduzentInnen bei Crowdsourcing Projekten, also Projekten, bei denen der/die KonsumentIn auch Teile des Werkes beisteuert, absichern? Welche Rechtsprechung liefert schon aussagekräftige Beispiele?

Erfolgreiche Primetime Entwicklung
Heutzutage konsumieren Fernsehzuschauer Inhalte ganz anders als vor einigen Jahren. Im Jahr 2008 haben noch 82 Prozent der Menschen live Fernsehen angeschaut, 2012 sind es nur noch 64 Prozent. Die Mediennutzung hat zwar zugenommen, aber die Zuseherzahl trotzdem erheblich abgenommen. Im Jahr 2008 hat noch beinahe niemand gestreamtes Fernsehen konsumiert, 2012 sind es bereits sieben Prozent aller FernsehzuseherInnen.
Wie kann ein Sender eine erfolgreiche Primetime-Entwicklung erreichen? Gibt es eine Formel dafür, wie man erfolgreiches Fernsehen schafft? Einzigartige Events ziehen das Publikum magnetartig an. Wichtig ist, dass man eine Imagebestimmung vornimmt, die Zielgruppen genau definiert, gewisse Programm-Anker und Genres festlegt und mit viel Feingefühlt das Image eines TV-Senders aufbaut.

Das Nutzerverhalten im Umbruch

Das Nutzerverhalten der FernsehzuseherInnen hat sich in den vergangenen Jahren gravierend verändert. Immer weniger Menschen sehen immer mehr fern, die Alterspyramide dreht sich, viele alte Menschen sehen viel fern, die Jungen nicht mehr. Wenn die jungen ZuseherInnen nun wegfallen, besonders die 12 bis 24 Jährigen, haben die traditionellen öffentlich rechtlichen Rundfunkanstalten eine paradoxe Herausforderung zu bewältigen: die Zuseher werden immer älter und gleichzeitig zwingt die Werbeindustrie zu jungem Programm. Ein öffentlich rechtlicher Sender kann sich jedoch nicht gänzlich entweder auf eine jugendliche oder eine ältere Zielgruppe fokussieren. Dieser Umstand führt zu einer unklaren Positionierung, einer ungünstigen Investitionssituation, da die Budgets auf beide Programmwelten aufgeteilt werden müssen. Viele Spartensender haben es in diesem Bereich einfacher. Die Frage, die sich daraus ergibt: Brauchen wir mehr Spartensender?
Wir erleben momentan nicht nur eine massive Veränderung der TV-Landschaft sondern der gesamten Medienlandschaft: es ist aber nicht davon auszugehen, dass das Internet wie so oft beschworen das Fernsehen verdrängen wird. Vielmehr sieht es eher nach einer Koexistenz der Medien aus in der das Fernsehen auf bestimmte Kernrollen reduziert / fokussiert wird. Das Wohnzimmer als Unterhaltungszentrum zwischen Konsole, intelligenter Wohnraumsteuerung und TV. Das TV Gerät wird massiv an Bedeutung gewinnen aber anders heißen. Traditionelles Fernsehen wird sich darin als eines von vielen Angeboten unterordnen.

Diskurs im Anschluss an den Vortrag „Primetime in Bedrängnis – Programmstrategien, Neue Formate und Experimente“

Markus Mooslechner:
„Es gibt sehr viele technologische Diskussionen, aber wir sind eigentlich die Geschichten geblieben? Ich glaube, dass wir uns als Fernsehmacher wieder auf unsere ureigenste Kompetenz besinnen sollten: Geschichten erzählen. Geschichten die authentisch und relevant sind und Menschen berühren. Wir müssen das Publikum erst nehmen, wir dürfen nichts vorgaukeln.“

Edgar Böhm:
„Nach fast 40 Jahren im TV Business ist meine Begeisterung an diesem Beruf ungebrochen. Arbeiten für das Fernsehen bedeutet immer am letzten Stand der gesellschaftlichen Entwicklung zu sein und kreative Antworten auf die sich permanent ändernden Rahmenbedingungen zu finden. Fernseharbeit geschieht im Team, ist kreativ und herausfordernd. Fernseharbeit heißt das Publikum ernst nehmen.“

Oliver Fuchs:
„Einzigartige Events ziehen das Publikum magnetartig an. Die Quote ist ein klarer Gradmesser, ob das Programm ankommt oder nicht. Ich glaube nicht, dass der Zuschauer aktiv in die Formatentwicklung miteinsteigen wird, denn Fernsehen ist ein Handwerk und eine Kunstform.“

Martin Gastinger:
„Die Primetime ist für alle TV-Sender und TV-Macher die heiß umkämpfte und wichtigste Sendezeit, jeder der sagt, er weiß wie man dort immer gewinnt und garantiert Erfolg hat, ist Hellseher oder Schwindler!“

Zwischen Avantgarde und Blockbuster
Animierte Informationsräume in der deutschen Fernsehlandschaft

Das Fernsehen legt in den letzten Jahren immer größeren Wert auf die Inszenierung von aufwendig animierten „Informationsräumen“. Prominente Beispiele hierfür ist das On-Air-Design von PRO7, speziell die von united senses entwickelten Blockbuster-Kampagnen Entertainment XXL und MegaBlockbuster oder die ident-clips von arte und 3sat. Solche animierten Sequenzen dienen neben der Information und der Strukturierung des Programmablaufs auch dazu, das jeweilige Programmangebot eines Senders mit seinen affektiven, emotionalen, dramaturgischen und audiovisuellen Momenten, seinen Genres und Formaten, für den Zuschauer in wenigen Sekunden in einem artifiziellen Raum erlebbar zu machen. Dabei verschränken sich oftmals reale und animierte Elemente zu einem künstlichen Bildraum, dessen Ästhetik und Erlebnispotential dem corporate design des jeweiligen Senders verpflichtet ist.
Folgenden Fragen möchte ich in meinem Vortrag genauer nachgehen: Welche ästhetischen Strategien kommen bei der Animation solcher Informationsräume, die das Programmangebot in einen audiovisuellen Erlebnisraum ‚übersetzen‘, zum Einsatz? Was für ein Selbstbild der Sender wird dadurch kommuniziert? Und inwiefern reagieren die Sender damit auch auf unterschiedliche, sich wandelnde Zuschauerkulturen?

Seit dem Sendestart im Juni 2003 hat sich ATV zum führenden österreichischen Privatsender entwickelt: Eine feste Größe bei den Zuschauern mit einem erstklassigen Vollprogramm aus Eigenproduktionen, internationalen Top-Spielfilmen, Hollywood in Serie, Nachrichten und Live-Sport.
ATV setzt besonders im Bereich der Eigenproduktionen auf die Etablierung von Formaten, um die Eigenständigkeit weiter zu stärken. Außerdem bietet der lokale Bezug einen wesentlichen Vorteil und eine Zuverlässigkeit im dichten deutschsprachigen Senderangebot. Sendungen wie „Bauer sucht Frau“ und „Saturday Night Fever“ gehören wohl zu den bekanntesten und fordern damit auch eine gestalterische Gradwanderung zwischen Formatmarke und Senderkennung. Deswegen ist die Inszenierung und Verpackung der Eigenproduktionen ein wesentlicher Bestandteil der ATV Kreation. Durch die besondere Rücksichtnahme auf einzelne Formate und Zielgruppen wird das Senderbild nachhaltig geprägt. Folglich steht im Vordergrund die Entwicklung dieser Marken und ATV als deren Bühne.
Vielfalt ist ATV wichtig. Wir entwickeln Formate, die häufig nicht nur am nächsten Tag im Gespräch bleiben, sondern die inzwischen auch erfolgreich ins Ausland verkauft werden.
Dieser Vortrag zeigt Beispiele der Designvielfalt unterschiedlichster Sendungen, die vielfältige Verwendung im Arbeitsalltag und gibt Einblick in die Struktur der ATV Kreation.

In unserer technisierten Welt, wo vieles quasi auf Knopfdruck passiert, vergisst man oft, was für ein großer Aufwand hinter banalen Dingen steckt. Beim Fernsehen ergeht es dem typischen Zuschauer ähnlich, denn die wenigsten wissen, wie viel Zeit und Arbeit investiert werden muss, um die perfekte Illusion zu schaffen.
Um den Aufwand durch den steigenden Kostendruck zu minimieren, sind kreative Lösungen gefragt. Grafiker und Programmierer schätzen die Möglichkeiten, den Computer zeitaufwendige oder auch eintönige Arbeit verrichten zu lassen. So wurde zum Beispiel mit der Einführung des neuen ORF eins Designs eine interessante technische Neuerung im Bereich der Film- und Serienabspänne eingeführt, die in diesem Vortrag vorgestellt wird.

Diskussion zum Thema „Die Inszenierung des Zwischenraums – On Air Design als Strategie und technische Herausforderung“

Auf YouTube entsteht ein neues Ökosystem. Immer mehr Produzenten können von ihren Einnahmen leben und immer mehr Kanäle und Produzenten schließen sich YouTube-Netzwerken an. Diese Netzwerke unterstützen sie beim Reichweitenaufbau, bei der Vermarktung und der Produktion. Dadurch erzielten die Netzwerke ein rasantes Wachstum in den letzten Jahren, das mit einer millionenschweren Finanzierungsrunde von Mediakraft, einem der größten YouTube-Netzwerke in Deutschland, Ende 2012 seinen vorläufigen Höhepunkt erreichte.

Während in Deutschland mit siebenstelligen Beträgen hantiert wird, erhielten in den USA zwei der größten YouTube Netzwerke Machinima und MakerStudios $35 Millionen bzw. $36 Millionen an Venture Capital, wobei sich die Investoren durchaus sehen lassen können Google (Machinima) und Time Warner (MakerStudios) sind nicht nur als Investoren an diesen Unternehmen interessiert.

YouTube fördert die Professionalisierung seiner Plattform massiv. Einerseits indem existierende YouTube-Produzenten weiter gefördert werden, andererseits indem neue Inhalte exklusiv für Youtube produziert werden. Damit verfolgt YouTube genau die Strategie der Kabelnetzbetreiber, die in ihrer Anfangszeit die TV-Cable-Networks förderten damit diese attraktive Inhalte für die neuen Kabelanschlüsse produzierten.
Wie damals in den 80er Jahren des Kabelfernsehens ist heute noch nicht ersichtlich, wer das Rennen machen wird und ob aus Mediakraft, Machinima oder MakerStudios einmal das nächste HBO, Showtime oder ESPN entsteht. Doch eines ist sicher es finden gerade weitreichender Wandel auf